AVATAR. Un espectáculo 3D de 5E.

No me he repuesto todavía de su visionado, y eso es algo que no me pasa con mucha facilidad. Avatar es una gran película de género inclasificable entre la ciencia ficción y la fantasía, el cine de acción y el bélico, el cine comercial y el de culto. Avatar son dos horas y media de acción y aventura futurista de la que no sobra ni un minuto, y que no te aburre ni un segundo, a pesar de sus carencias y defectos, que por supuesto las tienen. Las referencias a sus anteriores trabajos comoTerminator 2, Abiss, Alien 2, e incluso Titanic (salvando las distancias) son muchas, lo cual demuestra la coherencia cinematográfica de un Cameron más en forma que nunca.

No creo que a nadie deje indiferente Avatar. Una persona a la salida del cine comentó "ha superado a Lucas", y puede que tenga razón. Cameron añade a la historia una iconografía épicobéliconaturoélfica que promete futuras generaciones de, avatarkis?, destripando, recreando y reinventado cada uno de sus elementos visuales hasta convertirlos en leyenda o enciclopedia. Lamento desilusionar a los que la critican argumentando que adolece de guión. Supongo que serán los mismos que hace unos años hablaban de la maravillosa fotografía de tal o cual película aludiendo a lo bonito de los paisajes. O a los que creen que solo es un alarde tecnológico al servicio del séptimo arte. Sin duda los que habrían dicho lo mismo de La Guerra de las Galaxias si hubieran tenido edad para asistir a su estreno.

Y no me atrevo a decir que hay un antes y un después de Avatar. Como al buen vino, hay que darla la perspectiva del tiempo. pero sin duda el dato de que el público de forma másiva haya optado por verla en formato 3D significa que hay esperanza para las salas comerciales. Si eres de los que aborrece el cine de hollywood y piensas que esta película es un bodrio yankie más, te sugiero que aunque sea a escondidas la veas. Sino, creeme que te vas a arrepentir de ello cuando la veas en tu triste plasma del salón de tu casa. Pero mi consejo es que te ahorres el extra del 3D, te perderás la textura, la luz y el color de la película de la que yo disfrutaré en un obligado segundo visionado.

El más MAD de MAD

No estoy hablando de la exitosa y conocida revista de humor gráfico que durante 50 años ha satirizado desde sus viñetas los temas más populares de la cultura norteamericana. Me refiero a Mad, el original, una serie de 23 números que sentó no solo las base del futuro Mad, sino también del comic de humor de todo el mundo. Era el año 50, la época dorada de la EC Comics que repartía vísceras, marcianos y tiros por igual en los kioskos de medio mundo. Y es en medio del éxito de la EC cuando su visionario lider Bill Gaines decide probar una nueva vía aun sin explotar, el humor. Para ello nada mejor que Harvey Kurtzman, quien ya había demostrado su buen hacer en títulos bélicos como Frontline Combat. Y así surgió el primer número de Mad.

No tenía Gaines demasiadas espectativas con el título, y gracias a esto sobrevivió. Los lectores de cómics no estaban preparados para una revista que parodiaba sin piedad el terror, la ciencia ficción, los superheroes o los asesinatos. Por eso no fue hasta el número 4 que conoció su éxito. Gracias a una (des?)afortunada parodia de supermán y la consiguiente denuncia de sus propietarios, el número fue un éxito mediático y comercial. Y ahí empezó todo, una creciente legión de fans disfrutaban mensualmente de las hilarantes historias surgidas directamente de la mente de Kurtzman, y de manos de dibujantes tan destacados como Will Elder, Wallace Wood o Jack Daves.

Y no es a pesar de su valor difícil de encontrar, y el precio es muy asequible. Aunque es posible que la mayoría de los gags te parezcan inocentes o desfasados, si has disfrutado con el resto de títulos de la EC, no nte defraudará. Cómpratelo ya.

Enredo. Cachondeo a cholón.

No he visto más que la primera temporada aunque tengo la serie completa (en inglés sin posibilidad actual de encontrar subtítulos en castellano), pero creo que para hablar de esta fantástica serie aplica el dicho de "para muestra un botón". Ahora que está tan de moda las series cómicas tipo "big bang theory" o "cómo conocí a vuestra madre", Enredo (soap para los angloparlantes) es sin duda un referente argumental y estético y para muchas de ellas.

No es fácil de clasificar esta serie entre la comedia dramática y el culebrón televisivo que causó furor en la televisión de medio mundo desde el 77 al 81 con sus tramas surrealistas y sus personajes esperpénticos. Se trata de la historia de dos hermanas y sus respectivas familias, y sus enredos. Un padre convencido de su invisibilidad tras ser abducido por los extraterrestres, un hijo mafioso que se casa con la hija del capo para salvar su vida, un gay introvertido con tendencia al suicido, un ventrílocuo y su sarcástico muñeco, una madre que comparte amante con su hija... Susan Harris, productor de la serie que ya demostró su buen hacer con otras series de éxito como "las chicas de oro" nos ofrece tres temporadas inolvidables en las que derrocha imaginación y frescura.

Y no creas que por ser antigua es difícil acceder a ella. En España han editado a precio de saldo la primera temporada, y solo es cuestión de tiempo que presenten las dos restantes. Como dice Chanante, diversión a cholón.

Un maravilloso horror tropical

No recuerdo haber leido una novela sobre terrores de alta mar tan fantástico como esta obra. El mar sigue siendo el actor principal de muchas historias por lo insondable e ignoto que tiene, pero la capacidad de explotar de forma terrorífica ese medio no natural nuestro, muy pocos lo han conseguido con igual intensidad que Hodgson. Y es que su mar o el de nuestras pesadillas, está plagado de presencias fantasmales y monstruosas.

No es una novedad la gran capacidad que tiene Hodgson de aunar el ambiente marino con la atmósfera sobrenatural de la que tanto han aprendido grandes escritores como Lovercraft o Machen. En este volumen, nos encontramos con ocho relatos de terror magistral que consiguen crear desde la primera línea desasosiego y espanto por igual. Es un maestro que domina las claves del relato de terror, donde un ambiente seguro, tranquilo y cotidiano se vuelve poco a poco siniestro y peligroso hasta que se convierte en pesadilla de la que no se puede escapar.

No creo que sea la mejor obra de Hodgson, pero los relatos recopilados en este volumen representan el espíritu oscuro de su obra. Pese a ser uno de los escritores de terror más interesantes del siglo XX, es prácticamente un desconocido por el gran público. Enrolado en la marina mercante a los 13 años, sus experiencias durante 8 años en un entorno tan hostil como el marino han sido la base sobre la que fraguó toda su obra. Y el cuento que da nombre a esta obra, que en el momento de su edición pasó con más pena que gloria, es su primer escrito. Murió a los 40 en la primera guerra mundial por una granada alemana, dejando como legado un abultado número de cuentos y un grupo de interesantes novelas, casi en su integridad de temática fantástica.

No es un libro que recomendaría a cualquiera, pero si has disfrutado con Jack London o Emilio Salgari, es posible que esta vuelta de tuerca sobrenatural te sorprenda y entusiasme por igual.

LÁGRIMAS DE EROS en el Thyssen

No esperaba entrar a la exposición previendo una interminable cola ahora que el arte está de moda, pero no, vini et vidi. Lágrimas de Eros es la última exposición de moda en Madrid que toma su título de una obra de G. Bataille sobre la íntima relación entre Eros y Tánatos. Lejos de cultismos, la exposición reune obras de conocidos y desconocidos artistas para argumentar el discurso de de Bataille sobre erotismo y represión. Para ello, muestra distintos representaciones pictórica de mitos grecorromanos a lo largo de la historia, donde la religión como elemento represor tiene un papel protagonista.

No voy a disertar sobre si el la calidad de la exposición compensa el desembolso económico que supone su visita. Obras de Warhol, Courbet, Bernini, Rubens o Avedon justifican su pago, pero a pesar de la calidad pictórica de la muestra y de lo representado, que conjuga con cierto acierto el fetichismo, sadomasoquismo, voyerismo, vampirismo e incluso canibalismo entre otros, su visita sabe a poco. Y a mucho, mucha gente. El mágico momento al que nos tiene acostumbrados Bill Viola en la oscuridad de su videoproyección que pone punto y final a la exposición, parece Kinepolis el dia del estreno de la última de Bruce Willis.

No niego que el marketing aplicado al arte es efectivo. Uno de los titulares que más hemos podido ver reseñado sobre la exposición en los medios de comunicación es la brillante idea de vender preservativos en la tienda del museo, argumento con el que sin lugar a dudas han conseguido un lugar destacado en los noticieros de tirada nacional, pero nada tienen que ver con lo presentado en la muestra. O eso me parece a mi.

No creo que ir a la segunda parte de la exposición que con caracter gratuito complementa la Fundación Caja Madrid en su Casa de las Alhajas cambie mi opinión, a pesar de exhibir la famosa videoinstalación de del artista Sam Taylor-Woody retratando una hora de sueño de David Beckham. Pero con todo y con eso, no deja de ser una interesante opción para una gris tarde de sábado.

La huerfana. Lo hijastra de Charles Manson.

No me esperaba yo una película así, la verdad. Una obra americana de un director español que tampoco es que luciera en taquilla su anterior "La casa de cera". Un guión que sonaba sospechosamente a una mezcla entre "El buen hijo", "El otro" y "La mano que mece la cuna". Una producción yankie de bajo presupuesto abocada a desaparecer en la estantería de cualquier videoclub de barrio. Un inquietante trailer y un impecable cartel que no terminan de despejar la duda de su calidad. Pues nada más lejos de mi realidad, me he encontrado con una gran película de terror psicológico, que va ganando intensidad y tensión cada minuto que pasa.

No ha elegido el director el caminos más fácil. La moda de los sobrenatural reinstaurada por el cine del país del sol naciente, facilita mucho la generación de guiones que empaticen rápidamente con el espectador. Collet-Serra apuesta por el terror psicológico como herramienta para crear una trama en la que va el espectador cayendo en la trampa de creer que está ante el típico encadenado de típicos de cine de terror. Pero a medida que va avanzando la cinta, te das cuenta de que hay algo más, y lo vas notando por pequeños detalles e insignificantes pistas en apariencia superfluos, pero nada gratuitos. Perversión, psicopatíia, tiranía, engaño, crueldad, bestialismo, todo se va revelando en la trama, hasta que al final nos enfrentamos a una historia nada normal, y a pesar de lo que nos obligan a pensar varias veces durante la película, tampoco paranormal.

No cabe duda de que uno de los grandes aciertos de la película es el casting, concretamente, la protagonista infantil. No me canso de criticar de la lacra del star sistem que con tanto entusiasmo dinamita cualquier buen guión por la conveniencia o capricho de la estrella de turno. En este caso, Isabelle Fuhrman, una desconocida del septimo arte con tan solo dos películas en su haber, además de un anuncio para pizzas, nos ha sorprendido a todos con una magistral interpretación de una pequeña psicópata que aterriza en el típico hogar americano por una cuestión de adopción. Su personaje conjuga perfectamente crueldad y dulzura, sugerencia y amenza, sensualidad y sexualidad, construyendo un perfil que sin duda, se ha ganado con honor su espacio en la galería más afama de mis psicópatas preferidos.

No es necesario contar más, pues para eso están las miles de páginas que hablan de la peli en internet. Yo te he recomendado que la veas sin complejos o con ellos, pues el resultado espero, va a ser el mismo. No te la pierdas, aunque no te guste el cine de terror, solo es cine.

Paranormal Activity. Una película nada normal.

No es solo un producto de marketing, aunque tiene mucho de eso, para que negarlo. La película se ha convertido en un par de semanas en un auténtico fenómeno de masas en usa; con un presupuesto de escasamente 15.000 dólares ya lleva recaudados más de 75 millones, el sueño de todo productor. Y es que la película tiene pinta de batir el record conseguido por La Bruja Blair, solo hay que dejar que su estreno se produzca en el resto del mundo. A España llega el próximo 27 de noviembre, ya veremos cómo responde el público hispano...

No puedo decir que la temática del film sea nueva, pues experimentar con los terrores más básicos del ser humano ya lo han probado con éxito otras producciones anteriores como "The Haunting" de Robert Wise, o nuestro querido Freddy Kruger. El director, un israelí amateur que con su cámara doméstica, un grupo de amigos y la casa de uno de ellos, ha conseguido crear una película muy profesional donde lo cotidiano cobra protagonismo al exponernos a los miedos más primarios que todos tenemos. La cinta cuenta la historia de una joven pareja que monta un sistema de cámaras para vigilar su casa porque sospechan que hay "algo" dentro de ella. Lo que descubren es una presencia maléfica que se pasea por su hogar mientras duermen. Desvelarte más sería cruel, por lo que no lo voy a hacer. Te invito a que veas el trailer en castellano que ya se encuentra en los youtube's.

No se qué hay de verdad o mito en lo que te voy a contar. Dicen que ante el éxito inesperado de la cinta, Spielberg compró los derechos para hacer un remake. La historia cuenta que tras un visionado privado en su casa de Malibú, la puerta de su habitación se cerró con estrépito en medio de la noche, y tuvo que acudir a los servicios profesionales de un cerrajero para abrirla. Ficción o realidad, la cuestión es que el mago de oro de Hollywood decidió esperar a rodar el remake a otro momento más oportuno.

No falta mucho para su estreno, y mi consejo es que la veas y saques tus propias conclusiones. A mi me encantó, y estoy seguro que la frescura del rodaje amateur es su principal valor, elemento que se verá sin duda corrompido si deciden llevarla al formato de gran producción. Preparate, que ya llega...

Valkiria. Historia de un fracaso.

No deja de sorprenderme el cine americano y sus artistas, que no artesanos. El que vivimos en un momento de "star system" cobra sentido cada vez que veo una película de actores como Tom Cruise, pésimo actor incluso en la magistral "Eyes Wid Sat" o directores como Bryan Singer, salvadada escepción de su prometedora "Sospechosos habituales". Y es que las imposiciones de managers, productores, guionistas y demás fauna de la flora y fauna hollywudiense, transforman cualquier amago de séptimo arte en puro espectáculo. Todo por la pasta, vamos.

No es la de la película una historia cualquiera. El papel protagonista recae sobre Claus Von Stauffenberg, un coronel que encabezó una conspiración para acabar con la vida de Hitler, acabar con la vergonzante guerra, e instaurar un nuevo gobierno en alemania. Tal y como pasa en las historias "basada en hechos reales", el espectador conoce de antemano el final de la historia, pero he de reconocer que Singer sabe mantener la tensión durante toda la película jugando tanto con el desconocimiento del espectador de los detalles de la historia, como con la superchería sobre los dobles de hitler en la última etapa de su mandarto.

No consiguió la película ni engancharme ni interesarme, a pesar de la impecable labor de los secundarios y las impresionante escenas de acción. Supongo que tendrá mucho que ver en mi opinión el que me caiga tan mal el amigo Cruise, al que no le veo la gracia ni siquiera en "Top Gun", o que Bryan Singer me parezca un director mediocre, como bien demostró en la banal y aburrida "Superman Returns". Por eso, no he podido evitar durante la película pensar qué hubiera pasado si una historia tan buena como esta hubiera caido en otras manos, por ejemplo, de un director como Polanski y un actor con más peso como por ejemplo Kevin Spacey. Pues eso, hubiera sido una gran película y mi post hubiera tenido otro tono.

No nos dejemos engañar por el marketing y no peradamos el tiempo con estas películas. No aportan nada, no cuentan demasiado, y lo que cuenta, no termina de interesar del todo. Olvidable y prescindible como pocas. Es, la historia de un fracaso, pero fílmico...

El almanaque de mi padre

No hay que ser un gran lector de comic manga para saber apreciar la belleza que destila en sus viñetas Jiro Taniguchi, tanto en esta como en otras obras suyas. El almanaque de mi padre es una narración costumbrista que presenta la historia de un hijo que regresa a su ciudad natal al serle notificada la muerte de su padre. Desaveniencias irreconciliables fraguadas en la adolescencia le mantenían alejado de él. Y la historia nos conduce a la reflexión de si los motivos líicitos o no compensan la pérdida de pasado con tus seres queridos.

No lleva una estructura lineal la narración, sino que mediante bruscos flashbacks resucitados por objetos y personas, nos introduce en una historia triste marcada por la frustración, el resentimiento y el olvido. A pesar de carecer en algunos momentos de capacidad empática para sumergirnos de pleno en la historia, en gran parte motivado por el nihilismo latente del protagonista, la lectura más positiva que se extrae es que el orgullo y los prejuicios no deben alejarnos de las oportunidades de disfrutar con la presencia de los nuestros, ya sean amigos, familiares o compañeros.

No he podido resistirme a publicar este post sobre la obra a pesar de mis dudas, pues manifiestamente su temática difiere bastante de lo que estoy acostumbrado a leer del país del sol naciente. Y es que la obra pesar de su naturaleza de profunda tristeza, emana una profunda tranquilidad que no puede más que ponerte melancólico y sumergirte lentamente en el relato que te envuelve y te cautiva. Y es posible que esto lo consiga el autor al basar su obra en sentimientos y hechos de su propia vida infantil. Seguramente a crear esta sensación ayude es estilo de dibujo claro y detallista en cuanto a expresiones y fondos, y de trazo simple y limpio y un ambiente de melancolía, pero esto solo sirve para enmarcar la belleza del guión.

No lo dudes. Si eres de los que aprecian lo belleza en la simplicidad, este es tu comic, una rara joya que te encuentras de vez en cuando y que te hacen creer que compensa ser mejor persona. Muy bello, de verdad. Te lo recomiendo.

Leyendo El Lector de Schlink

No es este un post sobre la afamada película de Stephen Daldry, sino sobre la novela. Aunque tambiés sobre la película, pero menos. Se trata de un bestseller publicado hace ya unos cuantos años, que habla sobre el perdón. Para ello, establece un prometedor punto de partida en la que cuestiona la posibilidad de una relacion entre una madura mujer de 40 y muchos años, y un mozuelo de diecialgunos. Posible y creible pero no punible es la respuesta popular, aunque la imperiante mentalidad masculina, o machista mejor dicho, la tolera y admite sin problemas. Supongo que el caso contrario no funcionaría de igual forma. Véase sino el Lolita de Nabokov que todavía hoy en dia sigue levantando alguna que otra ampolla. Pero esto solo es la excusa. Lo que de verdad cuestiona es de si la inacción del pueblo alemán le exime de su responsabilidad con el holocausto.


No existen normas sobre el amor, eso dicen, salvo que se confunda amor y sexualidad, o ambas cosas se fundan en una. Tampoco existen normas lógicas sobre cualquier tipo de filiación, ya sea patriótica, deportiva, musical, religiosa o colomobofílica. El joven protagonista siente un amor similar al que algunas personas puedan sentir por una ideología, pero el problema llega con el desencanto; el desengaño conduce a la venganza o a la verguenza. La duda es cual de los dos caminos a seguir. La ignoracia consentida en la persona del otro, ya explorado por Bertolucci en el Ultimo Tango en París, tampoco ayuda mucho sino que agrava. Pero no quiero ir por ahí, no ahora.

No puedo evitar pensar en lo diferente del lenguaje literario y cinematográfico. En la versión fílmica, ella cobra un protagonismo personal que nada tiene que ver con la novela, en la que simboliza a esa alemania silenciosa que ignora y niega la realidad, o sencillamente, la justifica. El joven amante representa la nueva alemania enfadada por definicion con sus padres, y que encuentran en el holocausto la purga ideal para dar rienda suelta a su natural rebeldía adolsecente. Y la conclusión es que no, no hay perdón. Como bien dice en uno de sus párrafos, es mejor morir que permitir vivir así, aunque sean en su modalidad del suicidio o de sentencia. Aunque por supuesto, de forma implicita apunta por el tema del olvido. Olvidar es una forma de perdonar sin hacerlo.

No pierdes nada si lees la novela o ves la película. De igual forma, tampoco pasa nada sino lo haces. Eso si, Schlink sin ser un gran narrador hace amena la lectura de su novela. Y por supuesto Kate Wisley está sencillamente adorable en la película. Tú decides...

Tremendas historias tremendas

No puedo ni debo olvidar, los tiempos aquellos del Creppy y del Rufus, o mas antiguos aunque no los vivi del "Tales from the cript" o de "Crime Suspenstories". Eran microhistorias con macrotrama sin apenas presentacion, nudo ni desenlace. Todo ocurría en tres o cuatro paginas, y el componente común era la falta de convencionalismos tematicos; asesinatos, mutaciones, vampiros, violaciones, hombres lobo, mutilaciones, necrofilia, bestialismo...

No es exactamente una vuelta atrás lo que plantea Abuli, creador entre otros del famoso "Torpedo 1936", en sus 24 historias tremendas. En ella revisita esta forma de contar historias y lo hace con el mismo escarnio y descaro que se hacia hace ya más de 50 años. Y el resultado no puede ser mejor. El comic pasa de la tragicomedia al esperpento, del simplismo al misticismo. Sus páginas recogen tematicas tan diversas como el género negro, la intriga o simplemente el terror. Y el conjunto es magistral, tanto que no puedes evitar empezarlo de nuevo tras su conclusion.

No pude evitar sentir cierta añoranza al pasado al leer la introducción, cuando habla de esos puestos o tiendas donde se intercambiaban tebeos, cuando "no teníamos muy claro el concepto de comic para adultos. Los tebeos eran tebeos. Para niños. Y punto". Por supuesto gran parte de la grandeza del comic lo aportan Oswal y Darko, dos dibujantes que pese a la distancia geografica que los separa, Argentina y Serbia, aportan la oscuridad necesaria a las historias a traves de la claridad de sus dibujos. Grandisísimos ellos.

No te te lo pierdas si viviste aquella época dorada del tebeo, el motaplex y los palotes. Y si no lo viviste, tampoco. No te arrepentiras...

LOS CUENTOS DE FLANNERY O'CONNOR

No hace mucho leí que un artista además de nacer, se hace. Y tras leer las casi mil páginas del volumen que recogen sus cuentos, confirman esa afirmación. La recopilación sigue con acierto un sentido cronológico, desde su amateur ejercicio literario "El geraneo" de 1946, hasta su soberbia y última obra "El día del jucio final" publicada veinte años, el mismo año de su temprana y esperada muerte. Y a medida que avanza el tiempo y su obra, la técnica se va afilando, la genialidad despuntando y su perfección sin fisuras, aflorando, hasta hacerme comprender que me encuentro ante una de las mejores obras a las que me he enfrentado en los últimos tiempos.

No voy a pararme a discutir sobre si sus cuentos son dramas cómicos o comedias dramáticas. Porque más grande que las historias son sus protagonistas, unos personajes perfectamente imperfectos de gran complejidad en su simpleza, que nos trasladan a través de una jerga intraducible a la brutal realidad de la Georgia post esclavitud. Es la última generación antes de la era moderna, incapaces de sobrevivir a la nueva escala de valores, a la preponderación de la sociedad urbanita, a la igualdad racial, y a si mismos y a su circunstancia. Los cuentos no pueden ser consideradas ni siquiera como historias; son grandes microhistorias narradas con un tono de cruda realidad, cuya única misión es ayudarnos a entender que la verdadera historia normalmente, se lee entre líneas.

No cabe duda del gran ascendente que la amiga Flannery ha ejercido en las artes literarias, teatrales y cinematográficas actuales; los hermanos Cohen, Horton Foote, Arthur Peen, Stephen King... Su tormentosa vida marcada por la enfermedad y el aislamiento no impidieron que se convirtiera en una perfecta conocedora de la conducta humana. Sus profundas creencias religiosas impregnan profundamente toda su obra, planteando nihilistas escenarios en los que los protagonistas no pueden escapara a su condición ni a su propia naturaleza destructiva. Y lejos de compartir sus creencias religiosas, opino que nada más alejado de la realidad...

No parecerá fácil enfrentarse a una obra de esta magnitud cualitativa y cuantitativa, pero os aconsejo que lo intenteis. Un consejo, tened paciencia con los primeros cuentos; a pesar de su aparente e insultante simpleza, no os arrepentireis. Palabra de boy scout.

Robinson Crusoe. Un clásico actual.

No parece muy actual hablar de un clásico literario como Robinson Crusoe, aunque se trate de la adaptación al comic que ha publicado SM, pero la genialidad con que ha sido adaptado a viñetas, me parece memorable. De ello se ha encargado Christophe Gaultier, un dibujante francés prácticamente desconocido, al que yo recuerdo en su valiosa aportación al bello film de animación "Belleville".

No lo pone porque en aquel entonces no se llevaba, pero cuando Daniel Defoe escribió esta historia en 1719, basó su narración en dos hecho reales, uno sucedido a un capitán español que naufragó y permaneció 8 años en una isla desierta antes de ser rescatado, y otro, la de un marino escocés que sufrió la misma suerte durante cuatro años. La historia tiene todos los componentes para ser un clásico imperecedero, pues habla sobre el valor del esfurzo y el triunfo del hombre sobre la advesidad en un medio y un tiempo hostil. Aunque puedo no compartir la necesidad de abrazar la religión como tabla de salvación cuando todo parece perdido, creo que en el caso del protagonista está justificado, y es uno de los elementos que posibilitan su victoria más que hacia su enemigo interno, con el más peligroso de los oponentes, el interno.

No es posible desconocer la historia de Robinsón Crusoe, aunque nos haya llegado bastante edulcorada gracias sobre todo a la última versión actualizada y protagonizada por Tom Hanks. Pero sin duda la adaptación que hace en el lenguaje del comic el amigo Gaultier supera a cualquiera otra anterior, pues su estilo de dibujo sucio de figuras alargadas y el uso de colores apagados y ocres para presentar el entorno natural, confiere a cada viñeta un dinamismo y una crudeza tal que rápidamente descubrimos que Robinson Crusoe no es una obra juvenil tal y como pensábamos hasta ahora.

No me lo he leido todavía, pero tengo pendiente la adaptación que ha sacado la editorial del clásico de Mary Shelley "Frankenstein" de Marion Mouse Cartoné, al que no conzco ni de referencias. Hablaremos de él en otro momento.

Fórmula V. La fórmula de la eterna juventud.

No podía dejar de cumplir mi palabra, y aquí estoy publicando un post del concierto al que asistimos en Majadahonda hace creo, un par de semanas. Al evento acudimos en familia, sin estar muy seguro de si la edad de mis dos pequeñas era la más apropiada para que tuvieran su bautismo musical. Y lo sorprendente fue que no solo no estaban preparadas, sino que hubieran aguntado como campeonas cinco bises más. Por lo menos una de ellas, la que aparece en la foto de portada justo encima de Paco, el del micro.

No voy a negar que el conocer a Paco, el pelirrojo cantante que tantas bromas gasta sobre su alopecia y otras visicitudes de la edad, y a su familia, influyen positivamente en mi opinión sobre el grupo. Pero he de decir que a lo largo de mi vida he visto en directo a muchos de los grandes y de los no tan grandes, y reconozco sin rubor que el directo de Fórmula V no tienen nada que envidiarles. Porque lo que descubrí allí es que ser músico es algo más que vivir de la música, es como mínimo hacer a su público vivirla. Y Fórmula V en directo, lo consiguen. Yo personalmente les envidio, le envidio, y digo sin reparos que cuando sea mayor, quiero ser como ellos. Como él.

No estoy del todo de acuerdo con la afirmación de que Fórmula V es la típica formación de los 60 de "éxitos del verano". Si, pero no. No son un grupo monotema que vive de las rentas, ellos son algo más. Creo que les tocó vivir un momento muy difícil, y que su optimismo, su vitalidad y su profesionalidad han aportado mucho más a la música nacional actual de lo que a algunos sesudos críticos musicales les gustaría reconocer. El ver el lleno total del aforo y comprobar la disparidad de edades de los asistentes me confirma y reafirma en que hay música que está por encima de modas, etiquetas o apetencias. Formula V mola y ya está. Sin más. Y si no, mira a los Beatles.

No creo que a corto plazo, pero mis pequeñas se han hecho tan fans del grupo, que no me extrañaría que en unos años decidan convertirse en sus grupis, y yo feliz. ¿Cuantos grupos de los que van de "guays" pueden decir eso?. Arriba Fórmula V. Abajo Killers.

Ali gódete tú.

No es una persona convencial el señor Sacha Baron Cohen, es más que evidente, y sus películas dan muestra de ello. La suya es una clásica historia de salto de la televisión al cine, y aunque la globalización está ahí, tuvimos que esperar al celuloide para conocerle en nuestra patria chica a este inclasificable personaje. Y me aventuro a decir que si hubiera que definirle de alguna forma, Sacha es una especie de Michael Moore, pero como un poco más de coña y un poco menos de mala leche

No vi esta película en su momento, y por eso es posible que mi opinión sobre ella esté un poco mediatizada. En realidad las he visionado en inverso orden alfabético; Bruno, Borat y Ali G, pero seguramente esto me haya ayudado a valorar más su genio. Él es un payaso, en el buen sentido de la palabra. Ha sabido como nadie sacar lo peor de la sociedad actual de la sobrecomunicación y sus métodos, y con un tono ácidamente humorístico, hacernos sentirnos parte de ella. Aunque la parodia que hace de las pandas, del rap y de un estracto de la sociedad extrapolable a cualquier suburbubio grancapitalino está tratada con un tono excesivamente paródico, la temática que trata en esta y en el resto de sus películas, no tiene ninguna gracia. Y esa es la gracia.

No es Ali G ni su mejor personaje ni su mejor película. Borat es sencillamente genial, aunque en muchos pasajes se le va un poco la mano. Bruno es brutal. Pero Ali G es el más honesto de todos. La posibilidad de que una persona como él tenga tanta influencia en un parlamento tan insípido y estirado como el británico, es algo que no puedo evitar, me induce a la sonrisa. Sonrisa porque viendo la catadura moral, política y personal de los líderes políticos nacionales e internacionales, sus programas electorales y sus lamentables actuaciones en público, no tienen nada que envidiar a las representadas por nuestro querido Alig G. Una vez más, es cuestión de abstracción. Abstraete y saca tus propias conclusiones.

No te la pierdas si no la has visto. Estoy seguro que este señor dará mucho que hablar en el cine, y en las tertulias de amiguetes. Solo espero que nunca, nunca, nunca, se tome todo esto en serio. Gracias Ali G.

HYPATIA. El amenabar que nos viene

No tengo muy claro si definir esta obra escrita como novela histórica o como historia novelada, pues la verdad es que no es ni una ni otra. Aunque está escrita en un tono correcto, el autor rellena la falta de datos históricos sobre la persona no con imaginación, sino con un conglomerado de datos históricos que abruman por su número y sorprenden por su poca profundidad.

No era Hypatia una mujer cualquiera, y supongo que es lo que ha movido a Amenabar a dedicarla su última película "agora". Se trata de una de las mentes matemáticas más destacadas de la Alejandría del Siglo V, que fue brutalmente violada y desmembrada por el fanatismo católico de las huestes del famoso y controvertido arzobispo Cirilo. Por desgracia, su nombre ha sido olvidado y recordado durante muchos periodos históricos, aunque más que por su aportación a la astronomía, las matemáticas o la filosofía, a su vida sexual, o más bien, a su carencia a pesar de su mítica belleza.

No creo que a pesar de lo que manifieste el propio autor, aporte nada nuevo sobre las ya numerosas obras escritas sobre este insigne personaje, aunque si queda claro durante toda la obra literaria que los causantes de la involución del saber ha sido la iglesia católica, opinión que por otra parte comparto.

No creo haber elegido bien la obra narrativa sobre su vida. Es posible que acuda a la criticada y albada versión de María Dzielska publicada en el 96. Ya os contaré...

Los muertes huele mal.

No se trata precisamente de un autor conocido en la actualidad, aunque a principios de siglo pasado fue uno de los más populares escritores nacionales. Pero estoy seguro que si en vez de español fuera ingles o americano, su nombre estaría en los libros de literatura junto a Sheridan Le Fanu, Ambrose Bierce e incluso E.A.Poe. Aunque sin duda su obra inacabada "La torre de los siete jorobados" que llevó magistralmente al cine el grande y también olvidado Edgar Neville es sin duda su obra más conocida, este volumen recopilatorio de cuentos espiritistas está más que a la altura del resto de sus obras.

No podia ser de otra forma de un cronista de principio de siglo en la bohemia capital del reino. Emilio Carrere se ganó a pulso una fama de mujeriego y juergista fruto de sus frecuentes visitas a cafés nocturnos y casas de mala vida. Su vida estuvo marcada por su firme creencia en el espiritismo, el esoterismo y las ciencias ocultas que tanto furor causaban en los intelectuales y burgueses de la época. Aunque al final de su vida renegó de casi todas sus creencias, sus cuentos recopilados en esta obra tratan de fundamentar sin lugar a dudas la convivencia entre vivos y muertos, con un toque de ingenio y descaro inigualable en todos sus relatos.

No pretende sin embargo Carrere con sus relatos convertir al lector a su causa espiritista, sino que intenta sembrar la duda, la curiosidad y la fascinación por este mundo oculto, que como el mismo reconoce al final de su vida, se alimentaba de la complicidad del silencio escéptico de sus seguidores, más fascinante por el entorno mágico y misterioso que emanaba que por su naturaleza mística de comunicación con el más allá.

No es un best seller, nuca lo fue y por suerte nunca lo será, pero te lo recomiendo. Y si durante su lectura alguien te mira con cara rara cuando lea el título, sonrie, el objetivo está cumplido...

Exorcismo? en Connecticut?

No termino de entender este tipo de películas que atentan contran la cultura cinematográfica, el buen gusto y la inteligencia de los espectadores. La película no tiene nada que ver con exorcismos exorcistas o exorcitados, pues liberar una casa de unos espectros incómodos no merece tal tratamiento. Los exorcismos son a personas, de o del demonio. El lugar donde se ambienta hubiera dado igual que fuera Connecticut, San Chinarro o Otawa, aunque supuestamente la casa original estaba por esos lares. Y por supuesto la etiqueta de "basado en hechos reales", que tras ver la película nos hace reflexionar sobre lo tolerante, abstracto y amplio que es el término "basado"

No me parece justo que se de tanto protagonismo a los directores de cine y ni siquiera sean considerados los de sus trailers. Un trailer puede ser infinitamente superior a la película que promete, como es el caso. Si tu ves el trailer de Exorcismo en Connecticut, piensas que te vas a enfrentar a una de esas películas de las que nada mas salir corres a facebook para hacer una declaración apasionada con el objetivo de aconsejar a todos tus amigos que no se la pierdan. Y no, lo que haces es esto, correr al blog a sugerirlos que se metan a la sala de al lado, pongan lo que pongan.

No hay nada que moleste especialmente de la película, es todo lo que me enerva. Tiene una temática que sin estar del todo bien ni ser del todo original, podrían haberle sacado un poco más de partido si se hubieran centrado en algunos de los supuestos hechos originales, como que los padres fueron violados repetidas veces por los espectros, o explotar el intento humanizador de los personajes intentando superar el cancer o el alcoholismo. Está llena de aciertos visuales, pero huelen demasiado a copia asiática, abusa innecesariamente de ellos y no se justifican en la mayoría de las ocasiones para el desarrollo narrativo de la película. Tanto la banda sonora como el sonido es insoportable. Los personajes son lo peor, sobre todo el lángido protagonista clon miniatuizado del famoso de Crepúsculo. Virginia Madsen invisible. Kyle Gallner, ausente. Los niños, invisibles. La hermana adolsecente, sin comentarios...

No voy a decir que no es una buena película, voy a decir que es una mala película. Entra a la sala de al lado que ponen Distrito 9. Eso si es una buena película.

Distrito 9. Casi un 10 de película.

No he leido ninguna crítica de la película, por lo que supongo mi opinión sobre la misma es bastante sincera. Creo que tenemos ante nosotros una gran película de ciencia ficción (o acción, según como se mire) que consigue engancharte desde el primer momento. Se agradece todo; el rodaje en formato documental (que ya nos sorprendió en Monstruoso, pero que aquí lo supera con creces), la perfecta ambientación de los escenarios, la maestría técnica con que dan vida a los alienígenas (que nos hacen olvidar por completo que no son más que 3d avanzado), y sobre todo, que se atreva a poner como protagonista a un antihéroe tan alejado del machote bizarro de producciones parecidos como Independence Day o incluso Predator (un sospechoso clon del ridículo protagonista del Chip Prodigioso).

No es exactamente lo que cuenta, sino el cómo lo cuenta. La historia hace un salto temporal y nos situa el inicio de la acción a los 20 años del aterrizaje de los extraterrestres en la tierra, y no cuento más... El que la historia transcurra en un gheto de Sudáfrica entiendo que no es gratuito, aunque por suerte solo se trata de un mínimo guiño a este vergonzoso episódio de nuestra historia actual. De esto tampoco cuento más...

No esperaba ni más ni menos de Peter Jackson, aunque en este caso solo sea el productor. Cuando la estaba viendo, recordé que su primera película, "Mal gusto", en principio era una cinta de acción violenta, aunque poco a poco se le fue yendo la mano y se acabó transformando en la vacilada gore que todos (casi todos) conocemos. Y es que aunque Peter Jackson se ha refinado mucho desde sus inicios, su esencia paranoica hemoglobulínica sigue intacta. Por suerte.

No se si habrá un Distrito 10, es posible que si puesto que la película apunta maneras, pero no puedo dejar de pensar en cómo será, y sobre todo, cuando...

La gran novela de las casas encantadas

No es una novela de casas encantadas, es la novela de casas encantadas. Fue escrita a principios del siglo XX cuando los espíritus, los cazafantasmas, el esoterismo y las ciencias ocultas eran el entretenimiento favorito de la alta sociedad del mundo civilizado. Se trata de una historia de fantasmas donde pesa más lo sugerido que lo presentado. La historia se ambienta en una casa real, la mansión de la viuda de Mr. Winchester, el inventor del rifle que conmocionó el oeste, quien obsesionada por la venganza de los fantasmas víctimas del invento de su marido dedicó el resto de su vida a la construcción de una mansión espectral en la Costa Oeste donde ocultarse de ellos. La casa, una basta extensión laberíntica de puertas falsas, escaleras imposibles y habitaciones de dimensiones distorsionadas, estuvo en constante construcción durante 37 años. Cuando ella murió, contaba con 170 habitaciones, 3 ascensores, 6 cocinas, 476 puertas, 10.000 ventanas, 47 chimeneas, 40 escaleras, y 1 solo baño...

No tiene la novela a priori una temática interesante. Un profesor decidido a terminar su tesis sobre espíritus decide alquilar una casa encantada e invitar a un grupo de extraños con supuestos poderes paranormales, para que despierten los poderes ocultos de la casa y le permitar concluir su obra. La novela se vuelve cada vez más terrorífica al irnos presentando de forma implacable la forma más terrorífica del miedo, el que habita dentro de nosotros mismos, del que no podemos huir y con el que no podemos negociar. En 1963 el director Robert Wise realizó una magistral versión de la novela titulada "The Haunting", sin duda una obra maestra y la mejor adaptación hasta la fecha. Versiones posteriores como la literaria "La casa infernal" de Richard Matheson o la nefasta "La guarida" de Jan de Bont en el 99 no son sino aproximaciones al horror real que presenta la novela.

No busques muchos más títulos interesantes de la autora porque no los vas a encontrar. Toda su obra literaria versa sobre cuentos infantiles, anécdotas de amas domésticas, y experiencias maternales. Salvada excepción "La lotera, Aventuras del amante diablo", que recopila gran parte de sus cuentos más perversos y oscuros.

No dejes de leerla, por favor. Después, todas las novelas de casa encantadas te parecerán una copia.

Alan Mooore. De lo bueno, lo mejor

No voy a hablar de lo último de uno de los más grandes del comic actual, sino casi de lo primero. Skizz es un comic publicado en 1982,sobre un alienígena que cae en la tierra y que es adoptado por una minipunki de 15 años que intenta ayudarle a volver a su planeta, intentando burlar los oscuros intereses del gobierno que quieren cazar al alien y convertirlo en una especia de arma de destrucción masiva.

No es casual que la obra se publicara un año después del exitoso estreno de ET. Alan Moore, intenta aprovechar el tirón de la cinta para presentar su propia visión del tema, cambiando la convencional panda de "Goonies" yankies de la obra de Spielberg, por unos gamberretes postpunks hijos de la gran bretaña sin futuro ni presente, que consiguen transferir a la historia unos matices más interesantes y creibles que su original.

No es uno de sus mejores comics, sin duda sus populares trabajos posteriores como Watchmen, V de vendeta o el grandisimo From Hell son más compactos y entretenidos, pero adolecen de algo que a este título le sobra, libertad creativa. La misma libertad creativa que destila en sin duda su mejor obra, la balada de Halo Jones. Corre a comprarla si la encuentras. Y si no, confórmate con escuchar el homenaje que le hace Transvision Vamp en Pop Art "Hanging out with Halo Jones".

No es uno más. Alan Moore es lo más...

Nocturna. A dormir tocan.

No termino de entender qué significan los libros de titularidad compartida, ¿uno teclea y otro dicta? ¿un capítulo cada uno? ¿uno escribe y otro firma?. Sea como sea, Guillermo del Toro, un director de lo mejor que hay en el cine de terror actual, se ha lanzado al mundo editorial con esta novela sobre una pandemia de vampiros que ponen en peligro la pervivencia del ser humano.

No es la primera vez que se trata el tema del vampirismo vinculada al concepto de enfermedad acercándolo peligrosamente al mito del zombie. En este caso, se trata más bien de una invasión, pues los ocupantes no están en la sangre, sino que son seres parasitarios que transforman el interior de los huespedes para ponerlas al servicio de su ansia de sangre. Y como seres físicos y actuales que son, justifica casi todas las constantes del vampiro (su impotencia diurna, su ansia hemoglobinica, o su aversión a los ajos) y elude otras que achaca al folclore (miedo a los crucifijos o al agua bendita, dormir en ataudes o obtener permiso para entrar antes de hacerlo).

No parece una novela en el sentido estricto de la palabra, sino que más bien parece un guión novelado, es decir, la típica obra que se escribe tras el éxito de una película. Eso la hace una novela eminéntemente visual, con una estructura eminentemente cinematográfica, y unos personajes eminentemente inocuos, donde todo está al servicio del espectador (guión incluido). Sin entrar a valorar si eso es bueno o malo, la novela se deja leer bastante bien, a pesar de la saturación de efectos "visuales" y dialogos innecesarios. La presentación es bastante espectacular, mejor en el planteamiento de la escena que en el de los personajes. El nudo irregular en intensidad, con un malo un poco flojo. Y el desenlace, pues esperado como no podía ser de otra forma en una película de acción maidinjolibud.

No la recomiendo especialmente como lectura del verano, aunque he de reconocer que no está nada mal. Agradecer eso si que siendo actual y de vampiros, no se somete a la moda romántico adolescente con que se llenan nuestras librerias en la actualidad. Queda solo esperar qué saldrá de este guión, una gran película o una mas. Veremos.

Gorazde. Una historia del más allá.

No te sonará el nombre, probable, pues los medios de comunicación consideraron suficiente mostrar el sufrimiento de los servios de Sarajevo durante el conflico Bosnio, y olvidar el resto de frentes abiertos no tan publicitables y de más difícil acceso. Esta es una historia real, una historia de personas escrita por personas, y en formato comic. La historia transcurre en Gorazde, una ciudad que contaba con más de 50.000 habitantes antes de la limpieza étnica realizada por las fuerzas servias ante la impasividad de los cuerpos de paz de las Naciones Unidas en plena guerras balcánicas.

No es la historia más cruel de nuestra historia moderna, pero si una de las más vergonzosas. Joe Sacco narra en primera persona su experiencia como periodistas en una de las "zonas protegidas" por la ONU donde se cometieron las mayores atrocidades y salvajadas del conflicto armado en Yugoslavia. Seguramente lo más recomendable de su lectura es que Joe no cuenta una historia de buenos y malos al uso, sino que nos traslada una narración de convivencia con una de las partes, un pueblo que con estupor se repone de una larga y envidibale tradición de convivencia y toletarncia entre distitnas etnias y religiones. Algo que nos hace pensar que los bosnios no son esas personas desnaturalizadas y arcaicas que nos presentan los medios de comunicación a partir de las supuestas experiencias de los testigos de la ONU. Que nos hace preguntarnos, para que demonios sirve la ONU?. Y sobre todo, quien son de verdad los malos?.

No deja de sorprende el estilo de dibujo de Sacco, más cercano a retratar un universo absurdo a través de la ironía, que dejarse tentar por un trazo sucio y desgarrado para mostrar la sordidez y degradación del conflicto. ¿Habrá leido a Crumb?. Tal vez. Destacar para terminar la magistral clase de historia en clave comic sobre la cronología de la Yugoslavia del siglo XX y las guerras separatistas de principios de los noventa, y la voz del narrador presentando a los distintos actores de esta barbarie de la que aun hoy, sigue sin importarnos lo más mínimo.

No voy a contarte nada más, como casi siempre. Solo te recomiendo su lectura. Tal vez te hagas preguntas o tal vez no. Yo me las hago.

El Blanco, el color incoloro

No es un color exactamente sino la conjunción de todos, lo que hace del blanco el más atractivo de todos los colores. En estado puro no admites tonalidades, siendo además el único que mantiene pura la esencia de cualquier otro color al combinarse. En diseño gráfico es considerado elegante y atemporal. En decoración contribuye a la iluminación de espacios, gracias a su naturaleza reflectante. En psicología alguien que se queda en blanco es que se queda privado de razón de forma temporal o permanente. En banca un cheque en blanco es una invitación a la fantasí, al igual que estar sin blanca sinónimo de pobreza. En la caza, acertar a la pieza es dar en el blanco...

No es casualidad que el blanco se asocie a conceptos de pureza, paz o inocencia. Una bandera blanca es símbolo úniversal de tregua. Una paloma blanca de paz. El concepto de bien es blanco en contraposición al del mal, que es negro. El blanco domina al negro, al amarillo o al (piel) roja. El blanco es concepto de limpieza y el negro de suciedad. Blanco vida, negro muerte. Pero no siempre ha sido así. El color blanco fue el luto más riguroso entre las reinas europeas medievales, que sobrevivió en España hasta finales del siglo XVI. En muchas culturas asiáticas el blanco es el color de la muerte por la asociación a la tonalidad de los huesos de los muertos.

No es broma, pero su uso puede ser una de las solucciones para el calentamiento global. El Nobel de física en 1997 y ministro de Energía de Estados Unidos Steven Chu, sostiene que si tejados, pavimentos y hasta las carreteras se pintasen de blanco, reflejarían en lugar de absorber la luz del sol, y contribuirían a combatir el calentamiento del planeta.

No quiero terminar sin embargo sin dejar de exigir la inmediata eliminación del blanco de las cajas de lapices de alpino. Futuras generaciones de pinos y abetos madereros nos lo agradecerán.

Resident Evil 5. La quinta esencia de la kk zombie

No perdono a Capcom que haga una versión tan lamentable de una de las mejores sagas de horror survival que hemos vivido desde hace mucho tiempo, primando el modelo de un juego de acción en detrimento de la historia de terror. El espectacular trailer que nos enseñaron como prelanzamiento dejaba las espectativas muy altas, pero el resultado final no está a la altura de sus antecesores ni de cerca. Cierto es que cuando lo juegas, el inicio es espectacular con Chris Redfield y su maciza compañera sumergidos en un desconocido continente africano lleno de violentos zombies que no nos dan tregua. Pero poco a poco el ritmo va decayendo combinando puzles chorras con batallas pueriles. Y la historia sigue decayendo de forma progresiva, hasta que ya no queda más que vídeos, matamata y tedio. Eso si, el motor gráfico, espectacular. Faltaría más.

No estoy seguro de que mi opinión de este juego esté condicionada por la maravilla que supuso la cuarta parte, a pesar de haberla dulcificado y facilitado mucho para hacerlo más asequible al gran público. Pero creo que no, pues lo único que ha salvado del olvido a esta mediocre producción ha sido el título común de sus predecesores. Irrita ver lo mal resultas de las escenas (especialmente las mal resucitadas del grandisimo Code Veronica X), lo absurdo de algunas situaciones (zombies listos con metralletas?, malas tetonas traicionadas?), la falta de personajes de caracter (esos clerigos malvados de la IV en esa españa de Pepe Isbert...), lo desaprovechado del modelo cooperativo, o el largo largísimo de ese final que parece que no va a llegar nunca.

No lo iba a confesar, pero lo haré. No, no lo he acabado. He sido incapaz de matar al escurridizo malo del final, Kesler, pero tampoco me ha importado mucho. Entre que el juego me tenía ya un poco asqueado y que se ha cruzado en mi camino el fantástico "PROTOTYPE", como que no me ha costado mucho dejarme ganar, la verdad.

No obstante no es el final de la saga. Jun Takeuchi anuncia una sexta parte en la que dice va a empezar de cero. Bueno, pecar es humano y reconocerlo divino. Volveré a esperar con ansia la sexta entrega. Mientras este, a dormir el sueño de los justos en el Game.

¿Marvel y Zombies!

No muertos combinados con superheroes es una mezcla lo suficientemente explosiva y original como para ser atractiva, y esto es lo que ofrece este comic book del 2005 donde los más famosos heroes de la marvel se convierten merced a una siniestra enfermedad en degenerados zombies antropófagos. La trama no anda muy alejada de las típicas historias de buenos y malos, salvo que en este universo canibal, el único bueno parece ser Galactus, el come universos.

No es un comic apto para los puristas del universo marvel. Ver a Spiderman con problemas de autoestima tras haberse zampado a su dulce tia y a su miaciza novia, a peter parker con dolores de barriga por esa pierna mal digerida de magneto o al capitan américa sin tapa craneana tras ser descorchado por su propio escudo, es sinceramente fantástico, la verdad.

No creo que sea causa ni efecto de ello, pero para tu información te contaré que mucho antes de la creación de la serie se llamaba "Marvel Zombies" a los más frikies seguidores de la serie. Como los trekies, pero de la factoría Marvel. Y precisamente son ellos los que han inundado la red con sesudos artículos sobre las incongruencias del comic book y los superheroes originales; las piedras (la cosa) al igual que le metal (magneto) son inanimadas, estela plateada no es corporeo por lo que es imposible de decapitar, o daredevil es ciego y el ser zombies no te devuelve la vista.

No dejes de leerlo, de verdad. A mi me lo pasaron de una biblioteca pública, y prometo comprarmelo para mi colección particular. IM PRES CIN DI BLE.

Demeter de Ana Juan

No es normal en el universo del comic actual, contar con algo interesante en la revisitación de los viejos mitos del terror universal como es el caso de este sobre Drácula. Y menos no ceñirse a la conocida convivencia entre texto e imagen, sin respetar el espacio de cada uno tan habitual en el comic actual. Y es que la grande Ana Juan consigue una historia muy completa a través de retazos de artículos de prensa y paginas del cuaderno de bitácora que el capitán del barco con el nombre del título, arriba en el puerto Londinense con su siniestra carga, ciñéndose con bastante literalidad a las páginas originales de la obra de Stoker.

No es sin embargo la historia lo mejor del comic, que no está nada mal, sino la maestría de Ana Juan para recrear mediante exquisitos recursos estilísticos la historia completa del viaje, un periplo cargado de imágenes en un duro blanco y negro salpicado de toda la ámplia gama de grises de nuestro subconsciente, que nos introduce y nos hace compartir el horror y la angustia de una persona que es consciente de su inminente muerte. Demeter, que según la wikipedia es la Diosa Griega de la Agricultura, Diosa Distribuidora o Diosa Madre, nos ayuda a entender que es una de las piezas claves de la obra, pues representa el nexo de unión entre la modernidad de ese Londres en plena euforia preindustrial, y la tradición de una Transilvania anclada en sus mitos y tradiciones.

No puedo dejar de loar y agradecer también lo cuidado de la edición, la acertada combinación de los papeles, y el respeto por la composicíón de sus páginas. Espero que las próximas ediciones de la prometedora serie "El cuarto oscuro" de la Editorial "Ediciones de Ponent" que prometen recrear los clásicos del terror desde otra óptica, estén a la altura de esta primera historia. Buscaré y comentaré el segundo título "El hombre descuadernado".

No dejes de leer la obra, y si te gusta, te aconsejo busques su salvaje adaptación de blancanieves de Snowhite, o que la encuentres en sus primeras páginas del mítico Madriz. Que grandes.

Sanshiro. Natsume Söseki

No aprendo, está claro. Me engancho con Tanizaki. Me enredo con Murakami. Y me pierdo con Soseki. Y al final y por ese orden, confieso la inconfensable realidad de que por mucho que me esfuerce, no me interesa ni lo más mínimo lo que en materia literaria algunos hijos del sol naciente tengan que contarme. Y ya está. Sin complejos, sin escusas, sin leches en vinagre, no pasa nada, coñe. Ya está, ya lo he dicho.

No me preocupa, porque con ellos sí me veo compartiendo su faceta más brutal, carnal y descarriada. Junji Ito, Suehiro Maruo o Hideshi Hino son grandes para mi, y es que su vertiente de comic gore me resulta más atractivo que algunos de sus soporíferos engendros literarios. Y es que Sanshiro es tan aburrido que me indigna, lo siento. Si, entiendo lo que me cuenta, el problema es que no me interesa. Su crítica a los petardos nipones, su edulcorada historia de amor y la supuesta base humorística que dirige la novela me produce bostezos. Igual dentro de diez o veinte años cuando sea serio no será asi, pero ahora que creo segir teniendo un espíritu joven, he descubierto con estupor que prefería mirar a la señora de enfrente en el vagón de metro que leer, y eso no es bueno. Para mi por lo menos.

No soy guay lo se, porque ahora mola todo lo de allí. Pero lo siento, porque para coñazos prefiero tragarme a Proust, Joyce o Faulkner. Eso si, el susy me mola, Toriyama y su bola de dragón más, y cuando tenga pasta, me escaparé al festival animé de tokio a disfrutar con las hentai niponas y sus promesas sensuales. Pero de momento literariamente, me quedo con lo de aquí. Perdonad mi sinceridad.

No obstante y a pesar de todo lo dicho, más enriquecedor que cosas como las del difunto Stieg Larsson sospecho que es. Por supuesto como siempre, sólo es una opinión. Crea la tuya.

Up

No esperaba menos de la película, aunque en el fondo confiaba en algo más. En términos generales no es una película original, pues precisamente lo novedoso del film parece encontrarse en lo particular. El héroe, un octogenario gruñón clon de Spencer Tracy. El niño, un boy scout pseudo-nipón con problemas de obesidad. Las mascotas, inevitablemente adorables pero con un indignantemente virginal. La aventura, una versión geriátrica de las visicitudes de Indiana Jones. En apariencia, más de lo mismo. Y si, más de lo mismo, pero un poquito más.

No se puede decir que no sea una peli de la factoria disney, o pixar, que es lo mismo. Reconozco que he disfrutado especialmente con los primeros diez minutos, tiernos, cercanos, necesarios. Pero la historia va decayendo a medida que pasa el tiempo, hasta convertirse en un cúmulo de momentos previsibles que no consiguen enganchar a pesar de lo simpático de sus personajes (el perro he de reconocer que es genial) y lo efectista de la puesta en escena (esa casa volando también tiene su punto, la verdad). Si no tuvieramos referentes podría perdonarlo, pero ahí están Miyazaki con su castillo ambulante o Selick con su adorables mascotas para recordarnos que la animación infantil de calidad es posible.

No voy a privarte del placer de encontrar las descaradas similitudes entre los escasos protagonistas de este film y la legión de personajes del universo Pixar; toy story, bichos, monster, nemo, increibles, cars, ratatuille y la magnífica wall-e. En realidad buscar estos paralelismos es casi lo único divertido del film. Te invito a que lo disfrutes y si quieres, competimos o compartimos.

No se si estoy en lo cierto, pero creo que esto del cine de animación ha de cambiar o acabará devorándose a si mismo. ¿vivimos el nacimiento del nuevo cine o asistimos al momento de su destrucción?. Descuida, pronto lo descubriremos.

Comic Sans

No hay diseñador gráfico, creativo o director de arte que no la odie, ridiculice y parodie. Facebook está plagado de grupos que la aborrecen. Hay camisetas que dejan clara la postura del que la lleva. Su simple mención provoca risas y vómitos. Es la comic sans, la tipo más odiada del universo creatiguay que sin embargo, tiene un índice de popularidad cercano a la futura o a la helvetica, y superiror a la frutiger o a la gill sans.

No fue concebida para soportar el éxito que ha obtenido. Su diseñador Vincent Connare, la creo para ilustrar los bocadillos de una serie infantil que usaba la times new roman, inspirándose en las empleadas en los comics de la marvel y la EC. Su uso recomendado era únicamente infantil, pero los ejecutivos de las grandes multinacionales la vieron en el paquete de windows 95, y consideraron que su uso convertía sus aburridas presentaciones en "algo guay". Y ahí empezó y terminó todo.

No sería justo que Vincent pase a la historia únicamente como el creador de este engendro tipográfico que es la comic sans. Yo prefiero pensar en la belleza de su trebuchet, una tipo inspirada en la línea pura como la Akzidenz Grotesk, precursora de la helvética, la Gill Sans e incluso la Frutiger, que recibe el nombre del apellido de su creador.

No me gusta lo reconozco, pero me hace gracia su capacidad para hacer que todos los que nos dedicamos a esto de la comunicación, nos hermanemos con ella contra el mal gusto tipográfico. Arriba Santa Rotis. Abajo San Comic.

La servidumbre voluntaria

No es a priori un género literario que me interese, esto de la historia del pensamiento político, sin embargo la infalible prescripción de nines y el sugerente enunciado de su título me incitaron a su lectura. Y me alegre de mi decisión. O no.

No dejó de sorprenderme durante su lectura, de lo actual de su discurso, a pesar de contar con casi 500 años en su haber. Plantea sin titubeo las constantes de la tirania, de entre las que yo me quedo con lo plano del embrutecimiento de sus súbditos a traves del entretenimiento populista (circo, fútbol o toros), la necesidad de colaboracionistas con los que mantener su tiranía (a cambio de su ejercicio particular de tiranía), y lo peor de todo, la pérdida voluntaria de las libertades más fundamentales a cambio de una supusta protección a lo extraño o desconocido.

No plantea de la Boétie un concepto anárquico del poder, sino que se cuestiona el poder del tirano desde la visión existencial de que es fuerte gracias al miedo de sus tiranizados. De hecho, todo su discurso converge en la idea de que es más fácil, práctico y constructivo unirse contra el tirano que someterse a el. Sin embargo todo su discurso parte del adoctrinamiento, con la esperanza de que el ser humano recuperará su esencia de ser libre que tiene por derecho natural. Lo siento, no ha sido así, pero yo sigo soñando con ello...

No sería justo que te fiaras de mi criterio para leer este libro. Pero si de mi prescriptora quien salvo un par de excusables excepciones, suele atinar en sus recomendaciones. Pero una vez más, es tu decisión.

Depeche Mode. Sounds of the Universe

No es fácil hablar de uno de los pocos grupos que en la mocedad despertó en mi el fan que casi todos llevamos dentro. Eran los 80. Años del vinilo y del cassete. Del disco pirata y del maxi. Del cardado y los buggies. Del brujas y de splash. Éramos fanáticos. Coleccionábamos de forma compulsiva cualquier material que sobre el grupo cayera en nuestras manos: maxis, piratas, directos, singles, ediciones especiales, rarezas, fotos, camisetas... Imitábamos su forma de vestir, su forma de pensar, su forma de hablar. Llenábamos la pista de baile con cada uno de sus temas, tarareábamos sus letras a gritos y nos entregábamos a su baile con frenesí. Para mi terminó en el 101, cifra que más o menos se corresponde con el número de vinilos que sobre el grupo atesoré en aquellos "movidos" años.

No se si es justo, pero tras el 101, he seguido con escaso interés su escasa e irregular carrera musical, pues no he oido nada en sus nuevos trabajos que supere su época dorada, y el disco actual no es una excepción. Apunte aparte, mucho más interesante, rica y honesta me parece la carrera en solitario del ausente Andrew Fletcher, quien con Recoil ha probado y aprobado con nota el díficil camino de la experimentación electrónica.

No es lo mismo y lo se, pero tras escuchar este disco tengo la misma sensación que cuando escuché el black ice de ac/dc, y es que me parece que todo esto ya lo he odio. Y eso me hace pensar que cuando Martin Gore pensó en los temas de Sounds of Universe, no pensó en mí, sino en mi relevo generacional. Es lógico, los clásicos hay que actualizarlos para enganchar a los nuevos consumidores; pasa en el cine, pasa en la moda, pasa en el circo, y por supuesto, pasa en la música. Claro que con la que está cayendo en el panorama músical, donde grupos tan nefastos como The Killers o Coldplay son cosiderados como la quintaesencia de la música, no sería de extrañar que este disco acabe siendo considerado como una obra maestra...

No obstante, es Depeche Mode, y por supuesto el disco es bueno. Escucharlo tiene la capacidad de despertar el fan dormido que algunos viejunos llevamos dentro. Y eso, se agradece.

Kafka en la orilla

No debería haber hecho oidos sordos al consejo de buscar otro título para iniciarme en esto del leer al insigne Murakami, algo un poco más alejado del falso realismo (o irrealismo) mágico que el autor con más intención que acierto, derrocha en este grueso volumen. Aunque la novela tiene un punto de arranque muy interesante y consigue enganchar con una trama bien narrada, rápidamente empieza a abusar de la complicidad del lector, derrochando cultismos inecesarios, y vendiendo lo fantasioso como fantasía, y no.

No termino yo de empatizar, por más manga que lea, con esta desquiciante combinación de realidad y fantasía con que conviven los hijos del sol naciente, aunque se reconocer y disfrutar del lirismo y la brutalidad de sus propuestas allí donde se presentan. Y es que por mucho que lo intente, Murakami ni es Vargas Llosa ni por supuesto, es Kafka. Aunque he de reconocer que construye bien personajes, y aunque solo sea por eso, merece la pena, la verdad.

No me atrevo a recomendar sin rubor esta novela ni su autor. No si antes hacer caso a mi amigo y leer otro de sus sonados y sonantes títulos. Mientra llega este momento, si lo hago con cualquiera de los libros de cuentos de Yakumo Koizumi (Lafcadio Hearn para los amigos), con quien he aprendido de verdad a convivir con los espíritus de japón más tradicional.

No obstante, una vez más, te invito a que crees tu propia opinión.

Hammer House of Horrors

No es posible hablar de cine de terror y ciencia ficción sin mencionar a la Hammer, la conocida productora inglesa que reinventó y revitalizó el género entre la genialidad y la chapuza entre los 50 y los 70. La obra de directores tan reconocidos como Terence Fisher o actores como Christopher Lee o Peter Cushing hablan por si mismos.

No voy a hablar de su extensa filmografía, sino de su escueta pero notoria incursión en la televisión. A finales de lo 70, agotado el filón de su fórmula y con más deudas y fracasos de los que deberían, la hammer intenta salvar la situación creando un producto barato y efectista que continúe la línea de las exitosas series televisivas del momento. El resultado es Hammer House of Horrors, 13 únicos espisodios que se emitieron de septiembre a diciembre del 80, en los que semanalmente presentaba una historia macabra de 50 minutos de duración.

No me siento mal recomendando la descarga de la serie en la red, ya que el inmoral canon digital me permite ser amoral, y creo que es la única forma de verla. Reconozco que la serie ha envejecido un poco mal, es chapuzera y los capítulos innecesariamente largos, pero en conjunto, y visto desde los ojos de la nostalgia, está francamente bien. La serie fue criticada y olvidada por propios y extraños, pues lejos de recuperar el esplendor gótico de la época dorada de la productora, apostó por una curiosa combinación de terrores ancestrales trasladados a entornos modernos, ofreciendo un resultado irregular bastante alejado de la calidad de sus producciones fílmicas. Pero hablamos de la Hammer, y de sus últimos coletazos para sobrevivir, por lo que te invito a que la bajes y juzgues por tí mismo.

No lo dudes, buzca y dezcarga, la serie merece la pena.

Coraline

No voy a caer en la tentación de centrar una crítica en comparar la película de Selick con la novela original de Gaiman o con la brillante adaptación posterior al comic de Rusell. En los tres casos, el resultado es brillante, pues cada uno ha sabido adaptar la historia original a la herramienta con que lo narra, ofreciendo un resultado a mi juicio siempre brillante.

No es difícil encontrar las numerosas similitudes entre la película y un cuento tan clásico pero contemporaneo como el de Hansel y Gretel; la bruja, la casa de chocolate, la tentanción, el engaño y el desengaño, y por supuesto, la victoria del bien sobre el mal. La historia está muy bien estructurada, la puesta en escena bastante medida, los personajes perfectamente trabajados, y el final, aunque poco trabajado, correcto.

No creo sin embargo que se convierta en película de culto. Pesadilla antes de Navidad lo es, e intentar repetir muchos de sus aciertos para mi ha sido un desacierto. Bello, pero equivocado. El universo mágico de Tim Burton no funciona en una historia tan sórdida y carente de inocencia como Coraline, y he de decir que los tímidos o descarados intentos de Selick por recordar que él es el director de Pesadilla, sobran.

No obstante, te recomiendo que la veas, que la leas y que la disfrutes.

Star Trek

No soy un treky, nunca lo he sido, aunque me he tragado espartanamente los mas de 80 capítulos de la primera época de los años 60, y la mayoría de las diez películas previas a la actual. Pero he de reconocer que el espíritu de la serie original, la perfecta construcción de sus personajes, la honestidad a la hora de crear los guiones y la brillantez para suplir con imaginación la carencia de presupuestos, me ha cautivado desde aquellos lejanos años 60.

No me parece lógico pensar que un currículum como el del director, actor, productor, guionista, música y creador de éxitos como Felicity, Alias, Mission imposible o la aclamada Perdidos, fuera suficiente para volver a actualizar este gran mito atemporal. Sin embargo he de reconocer que el resultado ha superado sobradamente mis expectativas, afirmando sin creer errar, que se trata de la mejor versión realizada sobre la serie para la gran pantalla.

No voy a ahondar sobre la película. Es buena tanto si conoces como si no la serie original. En el primer caso, disfrutarás de los giños directos o indirectos al clásico. En el segundo, sencillamente disfruta. Lo peor, la excesiva rapidez de algunos travelings, las concesiones al gran público y las descaradas similitudes a Star Wars. Lo mejor, la perfecta recreación de los personajes, la falta de abuso de los efectos especiales y el guión.

No dejes de ir a verla. En pantalla grande, muy grande...

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Una negación es negativo. Dos negaciones, afirmativo. Y tres negaciones, la afirmación de la negación.

La primera negación es el no adolescente, el no por principio, el no irracional, el no injusto y de la provocación. La segunda negación es el no maduro, el consensuado, el que parte del conocimiento, el medido y el discreto, el que busca aprender más que enseñar. La tercera negación es el de la senectud, el que no precisa justificarse, el real, el desaprendido. Los tres son verdaderos, reales y lícitos.

Empezar un blog con una, dos o tres negaciones, es una buena forma de empezar, o de terminar. Porque la verdad no nos hace libres, es la libertad la que nos hace verdaderos. Y cuestionar los principios es lo que nos conduce a nuestros fines.

Negad o afirmad, pero dudad.