AVATAR. Un espectáculo 3D de 5E.

No me he repuesto todavía de su visionado, y eso es algo que no me pasa con mucha facilidad. Avatar es una gran película de género inclasificable entre la ciencia ficción y la fantasía, el cine de acción y el bélico, el cine comercial y el de culto. Avatar son dos horas y media de acción y aventura futurista de la que no sobra ni un minuto, y que no te aburre ni un segundo, a pesar de sus carencias y defectos, que por supuesto las tienen. Las referencias a sus anteriores trabajos comoTerminator 2, Abiss, Alien 2, e incluso Titanic (salvando las distancias) son muchas, lo cual demuestra la coherencia cinematográfica de un Cameron más en forma que nunca.

No creo que a nadie deje indiferente Avatar. Una persona a la salida del cine comentó "ha superado a Lucas", y puede que tenga razón. Cameron añade a la historia una iconografía épicobéliconaturoélfica que promete futuras generaciones de, avatarkis?, destripando, recreando y reinventado cada uno de sus elementos visuales hasta convertirlos en leyenda o enciclopedia. Lamento desilusionar a los que la critican argumentando que adolece de guión. Supongo que serán los mismos que hace unos años hablaban de la maravillosa fotografía de tal o cual película aludiendo a lo bonito de los paisajes. O a los que creen que solo es un alarde tecnológico al servicio del séptimo arte. Sin duda los que habrían dicho lo mismo de La Guerra de las Galaxias si hubieran tenido edad para asistir a su estreno.

Y no me atrevo a decir que hay un antes y un después de Avatar. Como al buen vino, hay que darla la perspectiva del tiempo. pero sin duda el dato de que el público de forma másiva haya optado por verla en formato 3D significa que hay esperanza para las salas comerciales. Si eres de los que aborrece el cine de hollywood y piensas que esta película es un bodrio yankie más, te sugiero que aunque sea a escondidas la veas. Sino, creeme que te vas a arrepentir de ello cuando la veas en tu triste plasma del salón de tu casa. Pero mi consejo es que te ahorres el extra del 3D, te perderás la textura, la luz y el color de la película de la que yo disfrutaré en un obligado segundo visionado.

El más MAD de MAD

No estoy hablando de la exitosa y conocida revista de humor gráfico que durante 50 años ha satirizado desde sus viñetas los temas más populares de la cultura norteamericana. Me refiero a Mad, el original, una serie de 23 números que sentó no solo las base del futuro Mad, sino también del comic de humor de todo el mundo. Era el año 50, la época dorada de la EC Comics que repartía vísceras, marcianos y tiros por igual en los kioskos de medio mundo. Y es en medio del éxito de la EC cuando su visionario lider Bill Gaines decide probar una nueva vía aun sin explotar, el humor. Para ello nada mejor que Harvey Kurtzman, quien ya había demostrado su buen hacer en títulos bélicos como Frontline Combat. Y así surgió el primer número de Mad.

No tenía Gaines demasiadas espectativas con el título, y gracias a esto sobrevivió. Los lectores de cómics no estaban preparados para una revista que parodiaba sin piedad el terror, la ciencia ficción, los superheroes o los asesinatos. Por eso no fue hasta el número 4 que conoció su éxito. Gracias a una (des?)afortunada parodia de supermán y la consiguiente denuncia de sus propietarios, el número fue un éxito mediático y comercial. Y ahí empezó todo, una creciente legión de fans disfrutaban mensualmente de las hilarantes historias surgidas directamente de la mente de Kurtzman, y de manos de dibujantes tan destacados como Will Elder, Wallace Wood o Jack Daves.

Y no es a pesar de su valor difícil de encontrar, y el precio es muy asequible. Aunque es posible que la mayoría de los gags te parezcan inocentes o desfasados, si has disfrutado con el resto de títulos de la EC, no nte defraudará. Cómpratelo ya.

Enredo. Cachondeo a cholón.

No he visto más que la primera temporada aunque tengo la serie completa (en inglés sin posibilidad actual de encontrar subtítulos en castellano), pero creo que para hablar de esta fantástica serie aplica el dicho de "para muestra un botón". Ahora que está tan de moda las series cómicas tipo "big bang theory" o "cómo conocí a vuestra madre", Enredo (soap para los angloparlantes) es sin duda un referente argumental y estético y para muchas de ellas.

No es fácil de clasificar esta serie entre la comedia dramática y el culebrón televisivo que causó furor en la televisión de medio mundo desde el 77 al 81 con sus tramas surrealistas y sus personajes esperpénticos. Se trata de la historia de dos hermanas y sus respectivas familias, y sus enredos. Un padre convencido de su invisibilidad tras ser abducido por los extraterrestres, un hijo mafioso que se casa con la hija del capo para salvar su vida, un gay introvertido con tendencia al suicido, un ventrílocuo y su sarcástico muñeco, una madre que comparte amante con su hija... Susan Harris, productor de la serie que ya demostró su buen hacer con otras series de éxito como "las chicas de oro" nos ofrece tres temporadas inolvidables en las que derrocha imaginación y frescura.

Y no creas que por ser antigua es difícil acceder a ella. En España han editado a precio de saldo la primera temporada, y solo es cuestión de tiempo que presenten las dos restantes. Como dice Chanante, diversión a cholón.

Un maravilloso horror tropical

No recuerdo haber leido una novela sobre terrores de alta mar tan fantástico como esta obra. El mar sigue siendo el actor principal de muchas historias por lo insondable e ignoto que tiene, pero la capacidad de explotar de forma terrorífica ese medio no natural nuestro, muy pocos lo han conseguido con igual intensidad que Hodgson. Y es que su mar o el de nuestras pesadillas, está plagado de presencias fantasmales y monstruosas.

No es una novedad la gran capacidad que tiene Hodgson de aunar el ambiente marino con la atmósfera sobrenatural de la que tanto han aprendido grandes escritores como Lovercraft o Machen. En este volumen, nos encontramos con ocho relatos de terror magistral que consiguen crear desde la primera línea desasosiego y espanto por igual. Es un maestro que domina las claves del relato de terror, donde un ambiente seguro, tranquilo y cotidiano se vuelve poco a poco siniestro y peligroso hasta que se convierte en pesadilla de la que no se puede escapar.

No creo que sea la mejor obra de Hodgson, pero los relatos recopilados en este volumen representan el espíritu oscuro de su obra. Pese a ser uno de los escritores de terror más interesantes del siglo XX, es prácticamente un desconocido por el gran público. Enrolado en la marina mercante a los 13 años, sus experiencias durante 8 años en un entorno tan hostil como el marino han sido la base sobre la que fraguó toda su obra. Y el cuento que da nombre a esta obra, que en el momento de su edición pasó con más pena que gloria, es su primer escrito. Murió a los 40 en la primera guerra mundial por una granada alemana, dejando como legado un abultado número de cuentos y un grupo de interesantes novelas, casi en su integridad de temática fantástica.

No es un libro que recomendaría a cualquiera, pero si has disfrutado con Jack London o Emilio Salgari, es posible que esta vuelta de tuerca sobrenatural te sorprenda y entusiasme por igual.

LÁGRIMAS DE EROS en el Thyssen

No esperaba entrar a la exposición previendo una interminable cola ahora que el arte está de moda, pero no, vini et vidi. Lágrimas de Eros es la última exposición de moda en Madrid que toma su título de una obra de G. Bataille sobre la íntima relación entre Eros y Tánatos. Lejos de cultismos, la exposición reune obras de conocidos y desconocidos artistas para argumentar el discurso de de Bataille sobre erotismo y represión. Para ello, muestra distintos representaciones pictórica de mitos grecorromanos a lo largo de la historia, donde la religión como elemento represor tiene un papel protagonista.

No voy a disertar sobre si el la calidad de la exposición compensa el desembolso económico que supone su visita. Obras de Warhol, Courbet, Bernini, Rubens o Avedon justifican su pago, pero a pesar de la calidad pictórica de la muestra y de lo representado, que conjuga con cierto acierto el fetichismo, sadomasoquismo, voyerismo, vampirismo e incluso canibalismo entre otros, su visita sabe a poco. Y a mucho, mucha gente. El mágico momento al que nos tiene acostumbrados Bill Viola en la oscuridad de su videoproyección que pone punto y final a la exposición, parece Kinepolis el dia del estreno de la última de Bruce Willis.

No niego que el marketing aplicado al arte es efectivo. Uno de los titulares que más hemos podido ver reseñado sobre la exposición en los medios de comunicación es la brillante idea de vender preservativos en la tienda del museo, argumento con el que sin lugar a dudas han conseguido un lugar destacado en los noticieros de tirada nacional, pero nada tienen que ver con lo presentado en la muestra. O eso me parece a mi.

No creo que ir a la segunda parte de la exposición que con caracter gratuito complementa la Fundación Caja Madrid en su Casa de las Alhajas cambie mi opinión, a pesar de exhibir la famosa videoinstalación de del artista Sam Taylor-Woody retratando una hora de sueño de David Beckham. Pero con todo y con eso, no deja de ser una interesante opción para una gris tarde de sábado.

La huerfana. Lo hijastra de Charles Manson.

No me esperaba yo una película así, la verdad. Una obra americana de un director español que tampoco es que luciera en taquilla su anterior "La casa de cera". Un guión que sonaba sospechosamente a una mezcla entre "El buen hijo", "El otro" y "La mano que mece la cuna". Una producción yankie de bajo presupuesto abocada a desaparecer en la estantería de cualquier videoclub de barrio. Un inquietante trailer y un impecable cartel que no terminan de despejar la duda de su calidad. Pues nada más lejos de mi realidad, me he encontrado con una gran película de terror psicológico, que va ganando intensidad y tensión cada minuto que pasa.

No ha elegido el director el caminos más fácil. La moda de los sobrenatural reinstaurada por el cine del país del sol naciente, facilita mucho la generación de guiones que empaticen rápidamente con el espectador. Collet-Serra apuesta por el terror psicológico como herramienta para crear una trama en la que va el espectador cayendo en la trampa de creer que está ante el típico encadenado de típicos de cine de terror. Pero a medida que va avanzando la cinta, te das cuenta de que hay algo más, y lo vas notando por pequeños detalles e insignificantes pistas en apariencia superfluos, pero nada gratuitos. Perversión, psicopatíia, tiranía, engaño, crueldad, bestialismo, todo se va revelando en la trama, hasta que al final nos enfrentamos a una historia nada normal, y a pesar de lo que nos obligan a pensar varias veces durante la película, tampoco paranormal.

No cabe duda de que uno de los grandes aciertos de la película es el casting, concretamente, la protagonista infantil. No me canso de criticar de la lacra del star sistem que con tanto entusiasmo dinamita cualquier buen guión por la conveniencia o capricho de la estrella de turno. En este caso, Isabelle Fuhrman, una desconocida del septimo arte con tan solo dos películas en su haber, además de un anuncio para pizzas, nos ha sorprendido a todos con una magistral interpretación de una pequeña psicópata que aterriza en el típico hogar americano por una cuestión de adopción. Su personaje conjuga perfectamente crueldad y dulzura, sugerencia y amenza, sensualidad y sexualidad, construyendo un perfil que sin duda, se ha ganado con honor su espacio en la galería más afama de mis psicópatas preferidos.

No es necesario contar más, pues para eso están las miles de páginas que hablan de la peli en internet. Yo te he recomendado que la veas sin complejos o con ellos, pues el resultado espero, va a ser el mismo. No te la pierdas, aunque no te guste el cine de terror, solo es cine.

Paranormal Activity. Una película nada normal.

No es solo un producto de marketing, aunque tiene mucho de eso, para que negarlo. La película se ha convertido en un par de semanas en un auténtico fenómeno de masas en usa; con un presupuesto de escasamente 15.000 dólares ya lleva recaudados más de 75 millones, el sueño de todo productor. Y es que la película tiene pinta de batir el record conseguido por La Bruja Blair, solo hay que dejar que su estreno se produzca en el resto del mundo. A España llega el próximo 27 de noviembre, ya veremos cómo responde el público hispano...

No puedo decir que la temática del film sea nueva, pues experimentar con los terrores más básicos del ser humano ya lo han probado con éxito otras producciones anteriores como "The Haunting" de Robert Wise, o nuestro querido Freddy Kruger. El director, un israelí amateur que con su cámara doméstica, un grupo de amigos y la casa de uno de ellos, ha conseguido crear una película muy profesional donde lo cotidiano cobra protagonismo al exponernos a los miedos más primarios que todos tenemos. La cinta cuenta la historia de una joven pareja que monta un sistema de cámaras para vigilar su casa porque sospechan que hay "algo" dentro de ella. Lo que descubren es una presencia maléfica que se pasea por su hogar mientras duermen. Desvelarte más sería cruel, por lo que no lo voy a hacer. Te invito a que veas el trailer en castellano que ya se encuentra en los youtube's.

No se qué hay de verdad o mito en lo que te voy a contar. Dicen que ante el éxito inesperado de la cinta, Spielberg compró los derechos para hacer un remake. La historia cuenta que tras un visionado privado en su casa de Malibú, la puerta de su habitación se cerró con estrépito en medio de la noche, y tuvo que acudir a los servicios profesionales de un cerrajero para abrirla. Ficción o realidad, la cuestión es que el mago de oro de Hollywood decidió esperar a rodar el remake a otro momento más oportuno.

No falta mucho para su estreno, y mi consejo es que la veas y saques tus propias conclusiones. A mi me encantó, y estoy seguro que la frescura del rodaje amateur es su principal valor, elemento que se verá sin duda corrompido si deciden llevarla al formato de gran producción. Preparate, que ya llega...

Valkiria. Historia de un fracaso.

No deja de sorprenderme el cine americano y sus artistas, que no artesanos. El que vivimos en un momento de "star system" cobra sentido cada vez que veo una película de actores como Tom Cruise, pésimo actor incluso en la magistral "Eyes Wid Sat" o directores como Bryan Singer, salvadada escepción de su prometedora "Sospechosos habituales". Y es que las imposiciones de managers, productores, guionistas y demás fauna de la flora y fauna hollywudiense, transforman cualquier amago de séptimo arte en puro espectáculo. Todo por la pasta, vamos.

No es la de la película una historia cualquiera. El papel protagonista recae sobre Claus Von Stauffenberg, un coronel que encabezó una conspiración para acabar con la vida de Hitler, acabar con la vergonzante guerra, e instaurar un nuevo gobierno en alemania. Tal y como pasa en las historias "basada en hechos reales", el espectador conoce de antemano el final de la historia, pero he de reconocer que Singer sabe mantener la tensión durante toda la película jugando tanto con el desconocimiento del espectador de los detalles de la historia, como con la superchería sobre los dobles de hitler en la última etapa de su mandarto.

No consiguió la película ni engancharme ni interesarme, a pesar de la impecable labor de los secundarios y las impresionante escenas de acción. Supongo que tendrá mucho que ver en mi opinión el que me caiga tan mal el amigo Cruise, al que no le veo la gracia ni siquiera en "Top Gun", o que Bryan Singer me parezca un director mediocre, como bien demostró en la banal y aburrida "Superman Returns". Por eso, no he podido evitar durante la película pensar qué hubiera pasado si una historia tan buena como esta hubiera caido en otras manos, por ejemplo, de un director como Polanski y un actor con más peso como por ejemplo Kevin Spacey. Pues eso, hubiera sido una gran película y mi post hubiera tenido otro tono.

No nos dejemos engañar por el marketing y no peradamos el tiempo con estas películas. No aportan nada, no cuentan demasiado, y lo que cuenta, no termina de interesar del todo. Olvidable y prescindible como pocas. Es, la historia de un fracaso, pero fílmico...

El almanaque de mi padre

No hay que ser un gran lector de comic manga para saber apreciar la belleza que destila en sus viñetas Jiro Taniguchi, tanto en esta como en otras obras suyas. El almanaque de mi padre es una narración costumbrista que presenta la historia de un hijo que regresa a su ciudad natal al serle notificada la muerte de su padre. Desaveniencias irreconciliables fraguadas en la adolescencia le mantenían alejado de él. Y la historia nos conduce a la reflexión de si los motivos líicitos o no compensan la pérdida de pasado con tus seres queridos.

No lleva una estructura lineal la narración, sino que mediante bruscos flashbacks resucitados por objetos y personas, nos introduce en una historia triste marcada por la frustración, el resentimiento y el olvido. A pesar de carecer en algunos momentos de capacidad empática para sumergirnos de pleno en la historia, en gran parte motivado por el nihilismo latente del protagonista, la lectura más positiva que se extrae es que el orgullo y los prejuicios no deben alejarnos de las oportunidades de disfrutar con la presencia de los nuestros, ya sean amigos, familiares o compañeros.

No he podido resistirme a publicar este post sobre la obra a pesar de mis dudas, pues manifiestamente su temática difiere bastante de lo que estoy acostumbrado a leer del país del sol naciente. Y es que la obra pesar de su naturaleza de profunda tristeza, emana una profunda tranquilidad que no puede más que ponerte melancólico y sumergirte lentamente en el relato que te envuelve y te cautiva. Y es posible que esto lo consiga el autor al basar su obra en sentimientos y hechos de su propia vida infantil. Seguramente a crear esta sensación ayude es estilo de dibujo claro y detallista en cuanto a expresiones y fondos, y de trazo simple y limpio y un ambiente de melancolía, pero esto solo sirve para enmarcar la belleza del guión.

No lo dudes. Si eres de los que aprecian lo belleza en la simplicidad, este es tu comic, una rara joya que te encuentras de vez en cuando y que te hacen creer que compensa ser mejor persona. Muy bello, de verdad. Te lo recomiendo.

Leyendo El Lector de Schlink

No es este un post sobre la afamada película de Stephen Daldry, sino sobre la novela. Aunque tambiés sobre la película, pero menos. Se trata de un bestseller publicado hace ya unos cuantos años, que habla sobre el perdón. Para ello, establece un prometedor punto de partida en la que cuestiona la posibilidad de una relacion entre una madura mujer de 40 y muchos años, y un mozuelo de diecialgunos. Posible y creible pero no punible es la respuesta popular, aunque la imperiante mentalidad masculina, o machista mejor dicho, la tolera y admite sin problemas. Supongo que el caso contrario no funcionaría de igual forma. Véase sino el Lolita de Nabokov que todavía hoy en dia sigue levantando alguna que otra ampolla. Pero esto solo es la excusa. Lo que de verdad cuestiona es de si la inacción del pueblo alemán le exime de su responsabilidad con el holocausto.


No existen normas sobre el amor, eso dicen, salvo que se confunda amor y sexualidad, o ambas cosas se fundan en una. Tampoco existen normas lógicas sobre cualquier tipo de filiación, ya sea patriótica, deportiva, musical, religiosa o colomobofílica. El joven protagonista siente un amor similar al que algunas personas puedan sentir por una ideología, pero el problema llega con el desencanto; el desengaño conduce a la venganza o a la verguenza. La duda es cual de los dos caminos a seguir. La ignoracia consentida en la persona del otro, ya explorado por Bertolucci en el Ultimo Tango en París, tampoco ayuda mucho sino que agrava. Pero no quiero ir por ahí, no ahora.

No puedo evitar pensar en lo diferente del lenguaje literario y cinematográfico. En la versión fílmica, ella cobra un protagonismo personal que nada tiene que ver con la novela, en la que simboliza a esa alemania silenciosa que ignora y niega la realidad, o sencillamente, la justifica. El joven amante representa la nueva alemania enfadada por definicion con sus padres, y que encuentran en el holocausto la purga ideal para dar rienda suelta a su natural rebeldía adolsecente. Y la conclusión es que no, no hay perdón. Como bien dice en uno de sus párrafos, es mejor morir que permitir vivir así, aunque sean en su modalidad del suicidio o de sentencia. Aunque por supuesto, de forma implicita apunta por el tema del olvido. Olvidar es una forma de perdonar sin hacerlo.

No pierdes nada si lees la novela o ves la película. De igual forma, tampoco pasa nada sino lo haces. Eso si, Schlink sin ser un gran narrador hace amena la lectura de su novela. Y por supuesto Kate Wisley está sencillamente adorable en la película. Tú decides...